L’agente dell’IMF Ethan Hunt (Tom Cruise) è rinchiuso in un carcere sovietico, dal quale viene fatto uscire in modo piuttosto rocambolesco da un team formato dai colleghi Benji Dunn (Simon Pegg) e Jane Carter (Paula Patton). La sua nuova missione è quella di recuperare dei codici di lancio nucleare presenti al Cremlino: ma qualcuno lo ha anticipato. Un’esplosione tremenda coinvolge la Piazza Rossa e la colpa ricade proprio sull’IMF, che viene subito disconosciuto dal Governo degli Stati Uniti. Attivato il “protocollo fantasma”, Ethan e soci si trovano da soli a dover sventare la possibilità sempre più concreta di una guerra mondiale nucleare.

A mio parere, la saga cinematografica sulle avventure di Ethan Hunt non ha mai sbagliato un colpo. Brian De Palma, John Woo, J.J. Abrams: un trittico di nomi importanti che ha personalizzato i precedenti episodi con uno stile sempre diverso e sempre perfetto. Stavolta toccava a Brad Bird, regista specializzato in animazione (Gli Incredibili, Ratatouille) per la prima volta alle prese con attori in carne ed ossa. E il risultato è di nuovo all’altezza, sia per spettacolarità visiva che per tenuta della trama.

Dopo un prologo eccitante (mai una scena di rivolta in un carcere era stata resa con così grande delicatezza e maestria, perfino con Dean Martin in sottofondo) e dei titoli di testa più unici che rari (sono montati infatti su scene del film che non abbiamo ancora visto!), ci si cala nell’azione e nell’adrenalina pura. Rivedevo per la seconda volta Tom Cruise svolazzante sul Burj Khalifa di Dubai (e spero di vederlo una terza volta in IMAX, come molte scene del film sono state girate) ed è un momento che mozza il fiato per tensione pura. Tra l’altro non sono effetti speciali, il coglione ha fatto tutto davvero (guardare qui e qui). Subito dopo, una tempesta di sabbia memorabile, seguita da uno scontro fisico micidiale in quanto a “macchinazione” in un garage multipiano (e qui la regia dell’uomo dietro le velocissime acrobazie del topino Ratatouille si è vista tutta): action pura girata in modo così elegante non se ne vedeva da tempo.

Tom Cruise regge tutto sulle sue spalle in maniera egregia, e di contorno ha una donna che finalmente non resta nell’ombra (Paula Patton), una co-star che si pensava dovesse rubargli lo scettro ma che invece finisce per essere un po’ inutile (Jeremy Renner) e il “lato comico” di Simon Pegg che parla un po’ troppo. Cattivi monodimensionali come nei migliori Bond-movie e scene che mozzano il fiato rendono il quarto capitolo di Mission: Impossible una gioia per lo spettatore (solo il finale si poteva tagliuzzare decisamente). Prima che Cruise diventi troppo vecchio speriamo ci regali una nuova avventura.

Due giovani americani volano a Mosca per vendere ai russi un’applicazione per smartphone di loro creazione. Arrivati sul posto scoprono però che un collega svedese (Joel Kinnaman, The Killing) ha fregato loro l’idea e li ha preceduti. Consolandosi la sera stessa al bancone di un bar, vengono sorpresi, come tutta la popolazione, da un attacco di misteriose e invisibili creature che disintegrano in un baleno ogni essere umano. Sean, Ben e i pochi sopravvissuti devono trovare un modo per scampare alla morte.

Partendo da uno spunto buono più per un cortometraggio, L’ora nera si trascina stancamente per 90 minuti riuscendo a fallire in tutto: i personaggi sono odiosi e stereotipati, l’azione si ripete sempre uguale, le morti avvengono senza pathos e la sceneggiatura pare stata scritta su un tovagliolino sporco di rossetto. Tra l’altro stupisce, per un’americanata in Russia, come quest’ultimo il Paese in cui si svolge l’azione venga bellamente schernito con affermazioni mica da niente del tipo “qui la legge non esiste”.

Dietro al progetto c’è Timur Bekmambetov, quello di Wanted, il regista russo trapiantato negli USA che si è dato alla produzione di questo B-movie ambientato nella sua terra natìa probabilmente più per spirito nazionalpopolare che altro (insomma, perché gli alieni devono distruggere sempre e solo Washington? Se la prendano anche con il Cremlino ogni tanto!). Invece il regista è un ex scenografo (!). Mi interessa più soffermarmi sul giovane Emile Hirsch, il protagonista, per prenderlo come esempio di classico attore americano poliedrico: il ragazzo, per potersi concedere il lusso di lavorare, probabilmente sottopagato, in film come Into the wild, Killer Joe e il prossimo di Castellitto, accetta di partecipare anche a merdaccia come questa, magari svogliato, come è evidente, ma intanto facendosi conoscere dal pubblico. Insomma sì ce l’ho con te, Elio Germano.

Londra, 1973. In seguito all’insuccesso di una missione in terra ungherese, il capo dell‘intelligence britannica (John Hurt) è costretto alle dimissioni. Con lui lascia il gabinetto anche George Smiley (Gary Oldman), il quale però poco dopo viene convocato dal sottosegretario governativo per una missione delicata e importante: scoprire l’identità di un infiltrato filosovietico che siede proprio attorno al maggior tavolo del Circus.

Ho visto La talpa al Festival di Venezia lo scorso settembre. Ma non me la sono mai sentita di scriverne una recensione: perché il film – per stanchezza – non me lo sono goduto, e perché i lunghissimi e complicati intrecci fatti di miriadi di nomi e situazioni erano faticosamente seguibili cercando di star dietro ai sottotitoli. Risultato? La trama mi risultò ostica da comprendere, e a malapena riuscii a capire chi era questa “talpa”. Ciò di cui avrei potuto subito parlare era la straordinaria qualità tecnica del film, la colonna sonora perfetta e la valanga di ottime interpretazioni (Oldman su tutti, ma Firth, Hurt e Strong sono incredibili) che la pellicola portava con sé.

Rivisto oggi, La talpa conferma tutte le sue qualità: sotto l’occhio glaciale di Tomas Alfredson (il regista di Lasciami entrare, quello svedese), il film è un vorticoso girotondo di nomi e situazioni, flashback e rimandi, in cui è facile perdersi ma nel quale si naviga con infinito piacere. Pochissimo è spiegato, mentre alcuni degli accadimenti più importanti vengono solo accennati, o lasciati in secondo piano: è un gioco appassionante, una caccia alla spia condita da profumi inebrianti, ambienti sudici, fumo e alcol. Gary Oldman (che a mio parere rimane uno degli interpreti più sottovalutati della nostra Storia, meritevole di tutt’altre attenzioni) dona al suo Smiley una leggerezza fuori dal tempo, imperscrutabile e addirittura tenera. Se esistesse un Dio del cinema, avrebbe l’Oscar in mano. Ma mi sa tanto che non gli regaleranno manco la nomination.

Allora, prima considerazione: non sono mai stato un denigratore dei cinepanettoni. Io sono un denigratore dei brutti film, ma almeno li guardo prima di dire che sono tali. In tutto il mondo esistono film di questo genere (in USA si veda il fenomeno tutto afro di Tyler Perry e dei suoi otto film su Madea, una donna obesa che interpreta lui stesso, che negli ultimi 10 anni sono stati tutti massacrati dalla critica ma hanno incassato cifre esagerate).

Insomma, il genere del film comico di bassa lega esiste in tutto il mondo, ha ragione di esistere ed è giusto che il pubblico possa sceglierlo. Poi si può giudicarne la qualità, e il sottoscritto (basta controllare le recensioni degli ultimi tre in ordine cronologico) non gli dà la sufficienza da un bel po’ di tempo. L’anno scorso gli incassi si erano piuttosto ridimensionati, e Aurelio De Laurentiis ha pensato ad un cambio di rotta e di cast: fisso Christian De Sica, richiamata Sabrina Ferilli, nuovi (soprattutto comici di Zelig) tutti gli altri. Inoltre ha rivoluto Carlo ed Enrico Vanzina alla sceneggiatura dopo quasi un decennio, e ha riportato tutto dove è iniziato: sulle nevi di Cortina. Non è un remake del primo Vacanze di Natale (anche se il nome del personaggio di De Sica è lo stesso), ma una rivisitazione più moderna, che, con tutti i limiti del caso, funziona.

Purtroppo la sbrigatività con cui vengono girati e montati i film di Natale è tale che sono uno schifo dal punto di vista del montaggio, delle rifiniture, del doppiaggio, per non parlare delle controfigure degli attori che non gli somigliano per niente, delle partecipazioni di scialbi ed evitabili vip e della durata sempre troppo estesa: ma quest’anno la sceneggiatura riesce a costruire un canovaccio di intrecci e situazioni che sembra almeno (almeno) pensato. Non solo storie distinte e parallele ma finalmente, dopo anni, i vari personaggi finiscono anche per scontrarsi tra loro (l’incontro sul finale tra De Sica e Dario Bandiera ricorda quelli storici col suo ex socio Boldi), mentre alcune gag, seppur semplici, sono efficaci (la telefonata con l’istruttore di tennis è memorabile). De Sica funziona con la Ferilli, che fa la burinona (ed è quello che sa fare meglio), mentre Giacobazzi e Katia & Valeria sono un ottimo acquisto (spiace per Ricky Memphis, ma davvero è incredibile che faccia questo lavoro).

Commedia-commedia, quasi senza parolacce, come lo era stato Christmas In Love: non dico sia un bene, la volgarità, quando è sana, è divertente e liberatoria, ma bisogna saperla fare e soprattutto avere il coraggio di osare. Forse per le famiglie di Natale è meglio questo approccio. Nel frattempo, l’era di De Sica, per sopraggiunti problemi anagrafici, sta evidentemente volgendo al termine, e De Laurentiis non sembra trovarne il giusto erede: c’ha provato con Ghini, con Panariello, con Max Tortora, ma nessuno ha fatto breccia nel pubblico. E’ chiaro quindi che il cinepanettone morirà con De Sica, che ne è stato fiero portatore.

Bombe di anarchici esplodono a Strasburgo e a Vienna. Industriali e uomini potenti vengono trovati morti. Le nazioni europee sono nel caos. Eventi casuali o frutto di un piano ben architettato? Sherlock Holmes (Robert Downey jr.) è convinto della seconda ipotesi e sa benissimo chi si cela dietro una tale macchinazione: il professor Moriarty (Jared Harris). Così strappa alla neomogliettina il suo fidato compagno Watson (Jude Law) e inizia una corsa contro il tempo per smascherare un uomo senza morale che vuole far scoppiare una guerra mondiale soltanto per proprio tornaconto.

Tutti quelli che usciranno dalla sala dicendo “Però, che bella trama eh”, di sicuro non c’avranno capito un cazzo. Come me. Che ho dovuto rivedere un paio di volte alcuni passaggi per decifrarli. I dialoghi saccenti e a mitraglietta di Robert Downey jr. non aiutano, e se uno si distrae un attimo la frittata è fatta. Vabbè, facciamo che la trama regge (sulla fiducia) e dedichiamoci al resto: il sequel di Sherlock Holmes rilancia le caratteristiche del primo, e soprattutto è stavolta a tutti gli effetti un film di/alla Guy Ritchie, che si lascia andare a sequenze di combattimento elettrizzanti, e ad almeno un paio di scene memorabili (la corsa nel bosco tra le cannonate è da antologia, e quella di tortura è piuttosto inquietante).

Esagerando nello stile però Ritchie arriva anche a buttare nel cesso la credibilità del tutto, sfornando situazioni che farebbero impallidire i protagonisti di Fast & Furious (e in questo il finale, con quel salto nel vuoto, rimane totalmente indecifrabile ed inspiegabile anche dopo la “rivelazione a Watson”). L’alchimia tra Downey jr. e Jude Law è ai massimi storici, con il secondo però migliore del primo: i due giocano, si divertono, osano, e in molti in questo secondo episodio hanno voluto vedere una sottolineatura ben più marcata del sottotesto omoerotico che da sempre viaggia di pari passo ai libri di Conan Doyle.

Azione sfrenata quindi, ma anche confusione e voglia di strafare sul piano visivo dimenticandosi della psicologia dei personaggi (purtroppo lo scontro Holmes/Moriarty è scialbino). Si può fare ancora di più.