Elle s’appelait Sarah (Francia, 2010) di Gilles Paquet-Brenner, con Kristin Scott Thomas, Mélusine Mayance, Niels Arestrup

Il voto di Paolino è… 7+

In sala da venerdì 13 gennaio

Julia Jarmond (Kristin Scott Thomas) è una giornalista americana che vive e lavora in Francia. Indagando su uno degli atti più inumani della Seconda Guerra Mondiale, il rastrellamento di migliaia di ebrei condotto al Velodromo d’Hiver dalla polizia francese nel luglio del 1942, viene a conoscenza della storia di Sara, una bambina ostinata e coraggiosa che riuscì a fuggire dagli orrori della guerra per cercare di salvare il suo fratellino. Julia, seguendo le tracce di un’inchiesta che racchiude molti segreti non svelati, ricostruirà i passi della bambina e colmerà molte lacune della sua storia.

Ho avuto la fortuna di vedere in originale questo film di produzione francese parlato però metà nella lingua d’oltralpe e metà in inglese. Dico fortuna perché, da quel che ho potuto capire dai trailer che stanno girando su internet, pare che in Italia sia le parti in francese che quelle in inglese siano state piallate e doppiate tutte in italiano (ma potrei sbagliarmi). Mentre lo vedevo mi chiedevo proprio cosa avrebbe deciso la distribuzione (Lucky Red in questo caso). Peccato, perché Kristin Scott Thomas è convincente in entrambe le lingue.

Passando al film, è una storia dall’impianto classico, che viaggia tra passato e presente e vive di piccoli, fortuiti eventi che fanno muovere il racconto e danno ritmo alla storia (facendo però talvolta storcere il naso: penso ad esempio alla scena in cui Sarah e un’altra bambina fuggono da sotto la rete del campo di concentramento aiutate da una guardia e non viste da un’altra a pochi passi: tutto molto favolistico ma ben poco realistico). Coincidenze e accadimenti a cui crediamo più per la forza e la convinzione con cui sono narrati che per la loro verosimiglianza.

Un ottimo montaggio crea una sempre più angosciante tensione che sfocia nel commovente, doloroso e persino inquietante finale. La chiave di Sara non è un trattato di storia, non vuole esserlo: è solo il racconto dell’ostinazione di una donna e di come un’idea, una convinzione possano essere talmente forti da far passare in secondo piano anche cose decisamente più importanti (come la famiglia, nel caso di Julia).

Piccola nota: la casa di distribuzione italiana ha scelto di intitolare il film La chiave di Sara, malgrado il titolo originale (anche del libro da cui è tratto) fosse Elle s’appelait Sarah e il titolo internazionale sia Sarah’s Key. La H sarà anche muta, ma pare che per qualcuno sia particolarmente pesante.

Shame (UK, 2011) di Steve McQueen, con Michael Fassbender, Carey Mulligan, James Badge Dale

Il voto di Paolino è… 7½

In sala da venerdì 13 gennaio

Pubblicata anche su Trailersland.com

Brandon (Michael Fassbender) soffre di dipendenza dal sesso. Ha un buon lavoro, una casa elegante, un portamento invidiabile, ma dentro di sé ribolle una pulsione compulsiva che non gli permette di avere una relazione sana con le donne, quasi tutte prostitute. Nella sua vita torna un giorno la sorella Sissy (Carey Mulligan), bella ma fragile, che invece è alla costante ricerca di un affetto che neppure il fratello maggiore riesce a darle.

Osannato alla scorsa mostra di Venezia, dove l’esaltante Michael Fassbender ha meritato la Coppa Volpi come migliore attore, esce anche in Italia l’opera seconda di Steve McQueen (dopo Hunger, esordio ugualmente interessante). In entrambi i film siamo di fronte ad un cinema dallo stile alto, un cinema di corpo e di sguardi, di suoni e di silenzi. Un cinema finalmente non “spiegato”, ma “mostrato”, che si dipana dinanzi ai nostri occhi con gentilezza e lentezza, lasciando allo spettatore molte delle interpretazioni riguardanti i gesti, le azioni, gli impulsi del protagonista.

Qual è la vergogna del titolo? E’ quella dei nostri occhi nei confronti di una persona con questo tipo di disturbo o è quella celata nel cuore di Brandon? L’animo tormentato ma in fin dei conti innocuo (non fa del male a nessuno, ha solo bisogno continuo di contatto fisico) del personaggio di Fassbender, nero in apparenza ma sensibile nel profondo, è il centro del film, che non gode di una storia così originale (anche un po’ forzata in alcuni punti, tragedia finale compresa) ma che intraprende un percorso di sopravvivenza più che di guarigione. E’ il tentativo di un uomo disperato di vivere una vita normale, di avere degli amici, di cercare qualcuno che lo possa aiutare.

L’uragano Sissy, la sorella che ripiomba nella sua vita, smuove le acque e porta un po’ di banalità di troppo al film, diventando una figura ingombrante salvata solo dall’interpretazione superba e ipnotica di Carey Mulligan. Ma impossibile non pensare a come sarebbe stato il film senza il suo personaggio, che ad un certo punto sembra voler rubare la scena a quello di Fassbender. Il lunghissimo trip finale finalmente riporta il film in carreggiata con un percorso notturno di Brandon decisamente tragico e attanagliante. Fassbender non ci mette solo il corpo: la sua interpretazione è eccellente in ogni senso, sofferta e drammatica. Le scene di sesso sono rudi e non gratuite, mantenendosi su un limite di buongusto che non sfiora mai neppure per un secondo la pornografia. Solo all’inizio quel pene sbattutoci in faccia piuttosto gratuitamente può far temere che il film voglia solo scandalizzare superficialmente, ma per fortuna bastano pochi secondi per rendersi conto che non è questo il caso di Shame.

The Ides of March (Usa, 2011) di George Clooney, con Ryan Gosling, George Clooney, Philip Seymour Hoffman, Paul Giamatti, Marisa Tomei, Evan Rachel Wood, Jeffrey Wright, Max Minghella, Jennifer Ehle, Gregory Itzin

Il voto di Paolino è… 7

Win Win (Usa, 2011) di Thomas McCarthy, con Paul Giamatti, Amy Ryan, Bobby Cannavale, Jeffrey Tambor, Burt Young, Alex Shaffer

Il voto di Paolino è… 7

Puss In Boots (Usa, 2011) di Chris Miller, con la voce di Antonio Banderas

Il voto di Paolino è… 7

Moneyball (Usa, 2011) di Bennett Miller, con Brad Pitt, Philip Seymour Hoffman, Robin Wright, Jonah Hill, Chris Pratt, Stephen Bishop, Brent Jennings

Il voto di Paolino è… 7½

In sala (pare) da venerdì 27 gennaio 2012

E’ il 2001. Gli Oakland Athletics, squadra media di baseball, ha appena concluso un anno fortunato, perdendo però la gara finale. Non potendo permettersi i grandi budget delle maggiori squadre avversarie, la dirigenza è costretta a vendere i tre giocatori migliori del team, mettendo la squadra su una strada impervia. Senza soldi e senza possibilità di acquistare campioni di spicco, spetta al General Manager Billy Bean (Brad Pitt) rimboccarsi le maniche per ricostruire un forte manipolo di giocatori da affidare al coach Art Howe (Philip Seymour Hoffman). Quando Billy si imbatte in Peter Brand (Jonah Hill), giovane neolaureato in economia che vede il campionato di baseball soltanto come un enorme numero di numeri e di statistiche da analizzare, rimane affascinato dalla sua teoria secondo la quale, anziché i nomi altisonanti, per vincere bastano giocatori che facciano punti. Billy mette così insieme una squadra di promesse mancate, di “fratelli di” e di scarti, contro l’opinione di tutti.

I film sullo sport sono sempre a rischio. Raramente vanno a buon segno, anche se quando capita sono spesso eccezionali, ma per lo meno danno ai loro interpreti buone carte per mettere in mostra il proprio talento. Sandra Bullock deve il suo Oscar (impensabile fino a qualche anno fa) ad un modesto film sul football, e anche Brad Pitt è sulla buona strada grazie ad una pellicola, che senza lui come protagonista, forse non avrebbe lo stesso impatto. L’attore ci regala infatti un’interpretazione da manuale, piena di sfaccettature e ambiguità, ben tratteggiata da una sceneggiatura possente (l’hanno firmata in prima battuta Steven Zaillian e in seconda Aaron Sorkin, un duetto da non credere) che ci regala anche squarci del suo passato per una volta non fini a sé stessi ma decisamente illuminanti per interpretare meglio le azioni dell’uomo adulto, i tic, le nevrosi, le paure, il motivo per cui, seppur GM della squadra, non guarda le partite e non è neppure allo stadio quando esse si svolgono. Il senso di inadeguatezza costante, il bisogno di rivalsa contro un sistema sbagliato che ha provato da ragazzo in prima persona sulla sua pelle, fanno del Billy Bean di Brad Pitt un personaggio profondo e completo.

Di contorno c’è il baseball. Fatevi un infarinatura generica delle regole se ne siete a secco: non che sia essenziale per godersi il film, ma di sicuro lo è per vivere un’esperienza più coinvolgente. E se Pitt vale da solo il prezzo del biglietto, lo circondano Jonah Hill nelle simpatiche veste del nerd che mette a punto i sistemi statistici, e Philip Seymour Hoffman, stavolta però decisamente sottoutilizzato e sprecato, quasi invisibile (la sua partecipazione è probabilmente solo un ringraziamento al regista Bennett Miller, che gli ha regalato l’Oscar per Truman Capote qualche anno fa). Il tema del film, piuttosto lungo ma non stancante e soprattutto girato in maniera fluida e sicura, è che la forza di molti vale più di quella del singolo, e passa anche dalle piccole cose, come la decisione di non far più pagare le bibite del distributore nello spogliatoio. Non vi svelo se la filosofia, quasi la “poetica” di Pitt nel film alla fine pagherà oppure no (è storia, comunque), ma una cosa è certa: raramente capita di commuoversi per un film sportivo. Segno che L’arte di vincere è questo, ma molto di più.

Warrior (Usa, 2011) di Gavin O’Connor, con Tom Hardy, Joel Edgerton, Nick Nolte, Jennifer Morrison, Frank Grillo, Kevin Dunn

Il voto di Paolino è… 8½

In sala da venerdì 4 novembre

Pubblicata anche su Trailersland.com

La famiglia Conlon è a pezzi. L’ex marine Tommy (Tom Hardy) torna a Pittsburgh dal padre ex alcolista (Nick Nolte) sobrio però da più di tre anni. La madre di Tommy è morta di malattia qualche anno addietro, e suo fratello Brendan (Joel Edgerton), dopo aver troncato i rapporti con tutti i suoi familiari, vive  una tranquilla vita da insegnante di fisica con la moglie (Jennifer Morrison) e le sue due bambine. Il destino vuole che sia Tommy che Brendan abbiano bisogno di soldi, per motivi differenti, e che entrambi fossero in passato degli agili combattenti sul ring, così come il padre Paddy, che li allenava. All’oscuro l’uno degli intenti dell’altro decidono così di riprendere gli allenamenti e di presentarsi al più importante torneo di Mix Martial Arts del mondo, lo “Sparta”, dove il premio in palio è di 5 milioni di dollari e dove inevitabilmente finiranno, dopo anni, per reincontrarsi.

In Miracle, il regista Gavin O’Connor raccontava la storia dell’allenatore di una problematica squadra di hockey su ghiaccio. In Pride & Glory, qualche anno dopo, metteva in scena una famiglia spaccata in due dalla giustizia, all’interno della quale si nascondevano sia i buoni che i cattivi. In Warrior, una storia originale creata da lui e Cliff Dorfman (Entourage) è come se volesse unire le due tematiche, sforzandosi di eliminare da entrambe le componenti superflue puntando ad emozionare con un tema pericoloso – perché abusato – come quello del ring. E ci riesce, creando un cinema di corpi e passione, guardando a modelli quali Rocky (evidentemente un punto di riferimento) con rispetto e umiltà, potendo contare su un team di attori che definire solo tali è francamente riduttivo. Le performance di Joel Edgerton (Animal Kingdom) e Tom Hardy (Inception, Il cavaliere oscuro – Il ritorno) travalicano il senso stretto della recitazione per diventare pelle tumefatta, volti incassatori di violenti cazzotti, corpi da martoriare. Tom Hardy è un esplosione di silenzi: apparentemente impassibile ma ferocemente comunicativo, è un personaggio che non si dimentica facilmente. E Nick Nolte, perfetto come non mai, riesce ad essere tenero, protettivo, impacciato ma forte e risoluto senza mai strafare.

La sceneggiatura, pur dovendo avvallare alcuni cliché e tematiche ricorrenti nel cinema sportivo e di riconciliazione familiare, riesce miracolosamente a farci accettare piccole imperfezioni avvicinando con attenzione e maestria le due storie parallele fino a farle congiungere (un po’ troppo sbrigativamente forse) rendendo i due protagonisti sia avversari che intimi complici, in un finale che senza utilizzare la parola si fa soltanto silenzio e commozione. Una commozione che dalla metà del film in poi non ti abbandona mai, e che riesce a far vivere con trasporto ogni singolo match sul ring. Combattimenti girati da O’Connor con un’efficacia mostruosa, utilizzando camere a mano poste al di fuori della “gabbia” così che lo spettatore possa godere appieno dei movimenti e della lotta frutto di coreografie eccezionali, salvo poi stringere in piano piano sui volti doloranti e sui nervi tesi dei combattenti nei momenti in cui spetta alla loro forza e alla loro determinazione la scelta che potrebbe cambiar loro vita. Fino al doloroso trionfo finale. Ma in Warrior, tutto è un trionfo.

Insidious (Usa, 2010) di James Wan, con Patrick Wilson, Rose Byrne, Ty Simpkins, Lin Shaye, Barbara Hershey, Leigh Whannell, Angus Sampson

Il voto di Paolino è… 7½

In sala da venerdì 28 ottobre

Pubblicata anche su Trailersland.com

Josh (Patrick Wilson) e Renai (Rose Byrne) si sono appena trasferiti in una nuova casa. Hanno tre bambini, una neonata e due maschietti più grandicelli. Quando il più grande di loro finisce in un misterioso coma in seguito ad una caduta casalinga, in casa cominciano a manifestarsi strani avvenimenti e Renai inizia a scorgere, nel buio della notte, misteriose figure o entità attorno a lei. Le mura domestiche diventano così un inferno senza scampo, fino a quanto Josh e Renai decidono di abbandonare quella dimora e cambiare nuovamente casa. Ma le presenze demoniache li seguono…

Il giovane gota del new horror si è riunito per Insidious, horror low budget che esce finalmente anche in Italia: alla regia James Wan (Saw I), alla sceneggiatura Leigh Whannell (Saw I e III), alla produzione Oren Peli (regista e creatore di Paranormal Activity). E il risultato dell’unione tra chi giocava d’eccesso (i primi due) e chi di rimessa (il terzo) si vede: Insidious è una ghost story coi fiocchi, che inchioda fin da prima dei titoli di coda, che finalmente non gioca col non-visto e non usa vecchi trucchi da cabina di montaggio per costruire lo spavento facile. Insidious rimescola i generi, e propone al pubblico innanzitutto qualcosa di cui aver paura ma soprattutto una storia a cui appassionarsi, non mero sadismo fine a sé stesso. Un film di cui Dario Argento, quello originale, quello di 30 anni fa, andrebbe orgoglioso e che viene infatti citato a mani basse, dall’uso dei colori alle musiche ossessive finanche ai caratteri gotici e giganti con cui il titolo del film ci viene presentato sullo schermo.

Per una volta la “casa infestata” non è la protagonista del film (come si teme fino ad un certo punto), ma serve solo e fortunatamente da incipit, da prima ipotesi, per accompagnare l’indagine del pubblico e dei personaggi alla soluzione finale, in cui non si tralascia una buona dose di ironia (con due improbabili “acchiappafantasmi” al limite della macchietta, uno dei quali è interpretato da Leigh Whannell stesso) e si rinuncia quasi del tutto al sangue per privilegiare le atmosfere e gli effetti, anche digitali. Insidious è un esperimento divertente, che ridà dignità ad un genere ormai inflazionato senza tirarsi indietro ma mettendosi in gioco, con macabre creature  di ogni tipo (molto deriso è stato quella specie di Darth Maul che si intravede anche nel trailer, ma vi assicuro che nel film fa il suo effetto) che non stonano proprio perché utilizzate alla perfezione da un regista che, evidentemente, ha dimostrato di aver fatto i compiti a casa.

Jodaeiye Nader az Simin (Iran, 2011) di Asghar Farhadi, con Sareh Bayat, Sarina Farhadi

Il voto di Paolino è… 8

In sala da venerdì 21 ottobre

Nader e la moglie Simin sono prossimi al divorzio. Lei vuole abbandonare l’Iran con la figlia undicenne e trasferirsi in un Paese che dia loro un futuro migliore, ma lui non vuole abbandonare l’anziano padre, malato di Alzheimer. Temporaneamente la moglie lascia la casa mentre la figlia resta con il padre. Serve così qualcuno che durante il giorno, mentre lui lavora, si occupi del genitore malato: per l’incarico viene trovata una donna, con figlia di 5 anni, che decide di occuparsi dell’anziano senza però rivelarlo al marito. Un giorno però, un litigio con Nader ha una grave conseguenza che porterà le due famiglie a doversi rivaleggiare in tribunale.

Non ho sinceramente capito, dopo aver visto il film, perché il titolo abbia voluto dare così importanza al tema della “separazione” nel film. Certo, è l’elemento da cui tutto prende il via, è volendo anche la causa degli incidenti che si susseguono sullo schermo, ma l’opera di Asghar Farhadi, vincitrice dell’Orso d’Oro come miglior film a Berlino, è molto di più. Grazie ad una sceneggiatura sorprendente, quasi “occidentale” per quanto ad incastro, piena di colpi di scena e capace di un climax niente male, il regista iraniano confeziona un film completo, avvincente, spesso crudele. Un film in cui le donne, seppur costrette da una società fortemente maschilista a rimanere sempre in secondo piano nella vita sociale, a non poter compiere scelte indipendenti, a dover sottostare alle regole dei mariti e della religione, si dimostrano le figure più razionali e capaci. Mentre i capifamiglia giocano a fare i duri, a picchiarsi per difendere l’onore delle rispettive consorti, le loro mogli e figlie tacciono ma ragionano, finanche tessendo una tela di menzogne e falsità pur di uscirne pulite agli occhi della gente (e possibilmente di Dio).

Molta carne al fuoco in Una separazione, un film necessariamente politico ma soltanto sullo sfondo, che privilegia più che le tesi una solida narrazione, fatta di momenti eccezionali (di alta tensione gli incontri delle parti avverse dinanzi al giudice) e di un finale in cui lo spettatore, finalmente dentro alla vicenda, dovrà ancora porsi delle domande. Ottimi attori, ottima regia, per un film che non deve spaventare e che, vi assicuro, anche il pubblico occidentale non potrà che trovare coinvolgente.

(Italia, 2011) di Francesco Bruni, con Fabrizio Bentivoglio, Barbora Bobulova, Vinicio Marchioni, Filippo Scicchitano

Il voto di Paolino è… 7

In sala da venerdì 18 novembre

L’ex professore Bruno Beltrame (Francesco Bentivoglio), dopo aver lasciato l’insegnamento, tira a campare dando svogliate ripetizioni a ragazzini del liceo e scrivendo, da ghost writer, biografie di attricette e calciatori. Il suo talento di scrittore, che un tempo adoperava per scrivere opere di sua invenzione, oggi è solo al servizio delle vite degli altri, come quella di Tina (Barbora Bobulova), la pornostar polacca di cui sta scrivendo “l’auto”biografia. Uno dei ragazzi a cui Bruno dà ripetizioni è Luca (Filippo Schicchitano), un quindicenne pessimo a scuola solo perché profondamente svogliato, che nasconde dentro di sé però un’intelligenza e un rispetto per la vita (e per la madre single) che lo fa star lontano dal fumo, dalle droghe, dai brutti giri. E’ proprio sua madre, costretta a partire per un lavoro in Mali, ad affidare Luca al professor Bruno, rivelando allo scrittore la sorprendente notizia: il ragazzo è suo figlio.

E’ stato il film italiano più promosso all’ultimo Festival di Venezia, dove gareggiava nella sezione Controcampo italiano (che ha vinto). Ed è tutto dire. Scialla! infatti non è nulla più che un film leggero, carino, furbetto, non privo di difetti, che però nel panorama cinematografico di casa nostra rappresenta comunque una sorta di miracolo: pensate come siamo messi. Uno dei pregi del film del neoregista Francesco Bruni (già però stimato sceneggiatore di molti film di Virzì, di quelli di Ficarra e Picone e degli adattamenti televisivi di Montalbano) è quello di proporci la figura di un adolescente a cui, finalmente, crediamo. Non quelli finti da fiction Rai, perbenisti e felici, ma neanche quelli esagerati di certo cinema italiano, dalla canna facile e senza futuro: no, Luca è un ragazzo che ha testa, ma semplicemente ce l’ha altrove. Ha bisogno di essere rimesso in riga, di avere una guida che non gli tarpi le ali ma semplicemente gliele apra. Alcuni scambi di battute tra lui e Bruno sono davvero azzeccati, così come la digressione sui “froci” nella Grecia Antica o i siparietti col bidello della scuola (pardon, operatore scolastico).

Dove un po’ pecca il film di Bruni è nella figura della pornostar ravveduta e colta, quello sì un ruolo un po’ fuori dal mondo, e in qualche piccola concessione alla banalità e al cliché (verso tre/quarti il film sbanda spostandosi su una faccenda di soldi rubati e cocaina, francamente evitabile, che culmina con un pianto di Luca a cui è davvero difficile credere, sia narrativamente che recitativamente). Bentivoglio nel ruolo di padre/mentore con marcato accento veneto (lo scontro con il romanesco di Luca è davvero effervescente) convince a singhiozzo ma è decisamente simpatico. Cinema onesto, senza sotterfugi, da premiare.