Londra, 1973. In seguito all’insuccesso di una missione in terra ungherese, il capo dell‘intelligence britannica (John Hurt) è costretto alle dimissioni. Con lui lascia il gabinetto anche George Smiley (Gary Oldman), il quale però poco dopo viene convocato dal sottosegretario governativo per una missione delicata e importante: scoprire l’identità di un infiltrato filosovietico che siede proprio attorno al maggior tavolo del Circus.

Ho visto La talpa al Festival di Venezia lo scorso settembre. Ma non me la sono mai sentita di scriverne una recensione: perché il film – per stanchezza – non me lo sono goduto, e perché i lunghissimi e complicati intrecci fatti di miriadi di nomi e situazioni erano faticosamente seguibili cercando di star dietro ai sottotitoli. Risultato? La trama mi risultò ostica da comprendere, e a malapena riuscii a capire chi era questa “talpa”. Ciò di cui avrei potuto subito parlare era la straordinaria qualità tecnica del film, la colonna sonora perfetta e la valanga di ottime interpretazioni (Oldman su tutti, ma Firth, Hurt e Strong sono incredibili) che la pellicola portava con sé.

Rivisto oggi, La talpa conferma tutte le sue qualità: sotto l’occhio glaciale di Tomas Alfredson (il regista di Lasciami entrare, quello svedese), il film è un vorticoso girotondo di nomi e situazioni, flashback e rimandi, in cui è facile perdersi ma nel quale si naviga con infinito piacere. Pochissimo è spiegato, mentre alcuni degli accadimenti più importanti vengono solo accennati, o lasciati in secondo piano: è un gioco appassionante, una caccia alla spia condita da profumi inebrianti, ambienti sudici, fumo e alcol. Gary Oldman (che a mio parere rimane uno degli interpreti più sottovalutati della nostra Storia, meritevole di tutt’altre attenzioni) dona al suo Smiley una leggerezza fuori dal tempo, imperscrutabile e addirittura tenera. Se esistesse un Dio del cinema, avrebbe l’Oscar in mano. Ma mi sa tanto che non gli regaleranno manco la nomination.

Un virus letale ed estremamente contagioso si sta diffondendo in tutto il mondo. Una volta contratto, i sintomi sono quelli di una forte influenza (tosse, febbre alta) ma il decesso avviene in poche ore. Il primo caso accertato è quello di Beth (Gwyneth Paltrow), che di ritorno da un viaggio ad Hong Kong contagia anche il proprio figlioletto. Della famiglia sopravvive solo il marito Mitch (Matt Damon), apparentemente immune. Intanto l’OMS e i governi di tutto il mondo tentano di arginare la catastrofe umanitaria…

Steven Soderbergh è una testa calda, lo sappiamo. Il suo stile frenetico, documentaristico e prolisso che ha rovinato, appesantendoli, molti dei suoi lavori precedenti (The Informant! era una noia mortale, ma anche i capitoli 2 e 3 della saga di Ocean, per non parlare del dittico sul Che) si temeva potesse far traballare anche questo suo ritorno alla grande produzione, che aveva dalla sua una storia di partenza non originale ma potenzialmente nelle sue corde. E la prima sorpresa è che Soderbergh stavolta non ha voluto strafare. Incisivo, secco, essenziale: lo stile registico del regista di Atlanta stavolta non si perde in chiacchiere, anche grazie alla sceneggiatura precisa di Scott Z. Burns (la sua penna era anche l’unica cosa che salvavo in The Informant!). Il suo tocco di autore-a-tutti-i-costi ricompare solo, esattamente come in Traffic, nelle differenze di fotografia che distinguono le varie storie dell’impianto corale. Inutile? Abbastanza, ma almeno questo concediamoglielo.

Tanti personaggi, nessun protagonista. Dalla faccenda intimista di una famiglia costretta ad isolarsi dal mondo (Matt Damon impedisce alla figlia maggiore di vedere il suo fidanzatino) al blogger che si erge a profeta e vuole far luce sui segreti che il governo cela agli infetti (Jude Law), fino alla ricercatrice che mette in pericolo sé stessa pur di trovare un vaccino (Jennifer Ehle). Soderbergh punta sulle nostre paure, e chi già ha la fobia dei germi e dei batteri e viaggia con l’immancabile Amuchina in borsa avrà pane per i suoi denti: tutte le volte che ci tocchiamo il viso ogni giorno, tutte le volte che mettiamo le nostre mani in posti dove chiunque altro può averle posate, tutte le volte che urtiamo contro degli sconosciuti, potremmo essere infettati. Contagion, alla luce anche di recenti gridi di allarme occorsi in occasione dell’H1N1 e della suina, citate direttamente, punta proprio sul “quotidiano”. Lo svolgimento del plot non riserva poi molte altre sorprese e risulta più convenzionale, e Soderbergh si permette tranquillamente di far morire le sue mega-star dopo che hanno pronunciato sì e no mezza battuta, facendo fare la figura degli eroi a degli attori sconosciuti: ci piace anche per questo. Alcune sottotrame sono poco sviluppate (quella della Cotillard) e alcuni passaggi sono un pochino frettolosi, ma il finale, in cui torniamo al Giorno 1 dell’epidemia (il film inizia il Giorno 2), è una conclusione col botto per un film non rivoluzionario né particolarmente originale, ma che è soltanto buon cinema.

In un’isola non meglio precisata del Mediterraneo sta per arrivare la stagione estiva. Filippo (Filippo Pucillo) ha vent’anni, è orfano di padre, ha una madre, Giulietta (Donatella Finocchiaro), dolce e tenace, un nonno con cui va a pesca giornalmente per tirare a campare (Mimmo Cuticchio) e uno zio (Beppe Fiorello) che lo sprona a diventare più “uomo”. Durante una battuta di pesca, Filippo e il nonno salvano alcuni clandestini dal mare, tra cui una donna partoriente e il suo bambino più grande. Contro la legge, decidono di ospitare per qualche giorno la clandestina aspettando che si riprenda dal parto. Intanto sull’isola sbarcano i primi turisti, e Giulietta affitta la propria casa a tre adolescenti del Nord a cui spetta a Filippo fare da “guida” sul posto.

Ancora mare per Emanuele Crialese, che alla sua terza opera italiana torna sui luoghi in cui aveva ambientato Respiro ma stavolta si tuffa nell’attualità, affrontando un problema che per quelle zone è diventato un peso immane da sopportare. Si sforza, il personaggio di Beppe Fiorello, di nascondere la verità ai turisti dell’isola (“I clandestini? Ma qui non ci sono, sono tutte balle!”), salvo poi caricare tutti i vacanzieri sulla sua barca e far dimenticare loro ogni turbamento al ritmo di Maracaibo, in una delle scene più ispirate del film. Perché in Terraferma non mancano i bei momenti: la regia è attenta ai dettagli, Crialese sa costruire le inquadrature, molte idee registiche sono decisamente fuori dal comune per il nostro cinema. Purtroppo però stavolta l’abilità tecnica non è al servizio di una sceneggiatura all’altezza: Crialese si scrive nuovamente lo script (quando i nostri bravi registi impareranno che esistono persone più qualificate che possono scrivere i film al loro posto, l’Italia sarà migliore) e rimane sulla superficie del problema che vuole affrontare. Quella di Terraferma è una storia semplice, anche fin troppo buonista, che vuole mettere in risalto l’umanità e la generosità del popolo comune nei confronti dei più deboli, dove i “cattivi” sono solamente gli esecutori dell’ordine pubblico, qui impersonati dal capitano della Guardia di Finanza Claudio Santamaria. Crialese fa un cinema d’immagini che stavolta stride con la pochezza della trama e la scarsità di impegno profusa per tentare di andare un po’ oltre il semplice attacco alle assurde leggi sull’immigrazione o l’esaltazione del buon cuore degli isolani (non viene mai fatto il nome, ma è piuttosto chiaro si riferisca a Lampedusa). Ci si aspettava di più.

In sala da venerdì 30 settembre

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Zurigo, inizio secolo. Il giovane professor Jung (Michael Fassbender) esercita la professione di psichiatra avallando e mettendo in pratica le teorie di quello che reputa il suo Maestro pur non avendolo mai incontrato: Sigmund Freud (Viggo Mortensen). Jung decide di attuare la pratica detta “terapia della parola” (la futura psicoanalisi) su una nuova paziente, la diciottenne Sabina Spielrein (Keira Knightley), isterica, aggressiva e portatrice di una visione contorta della sessualità dovuta agli abusi a cui il padre la sottoponeva da bambina. Il caso Spielrein è anche motivo per Jung e Freud di incontrarsi e di diventare stretti colleghi e amici, confrontandosi su temi e metodologie riguardanti la propria professione. Freud per questo chiede a Jung di prendere in cura anche Otto Gross (Vincent Cassel), che con la sua amoralità e i suoi argomenti provocatori porta alla luce una crepa nell’etica del giovane psichiatra, che finisce col lasciarsi andare ad un rapporto carnale e pericoloso con la sua paziente.

E’ un Cronenberg più trattenuto e meno audace del solito quello di A Dangerous Method, ed è forse per questo che molta critica ha storto il naso. D’altronde però la sceneggiatura (di Christopher Hampton, Espiazione) stavolta non doveva andare a colpire lo stomaco dello spettatore (come ne La promessa dell’assassino o A History of Violence) ma piuttosto la mente, accompagnando il pubblico in una spirale di torbida passione che tuona contro le regole del buonsenso e dell’etica professionale. E Cronenberg fa tutto questo evitando quasi del tutto le scene potenzialmente più “nelle sue corde” per soffermarsi sui suoi tre attori principali e su un mare di parole: è forse il suo film più parlato, ma non per questo difficilmente seguibile anche da chi non mastica delle discipline di cui si disquisisce. Certo, si dirà, un film così poteva farlo qualunque regista medio in grado di gestire una macchina da presa. Vero, ma non per questo è da giudicare negativamente o con sufficienza.

Il cast è assolutamente notevole: Michael Fassbender (decisamente uno dei due/tre migliori della sua generazione) e Viggo Mortensen (fenomenale) creano due ritratti affascinanti e misteriosi di due uomini che passano da un primitivo stadio di ammirazione e fiducia reciproche ad un secondo di sospetto e dubbio fino ad un terzo in cui il loro rapporto di deteriora e si sfalda. Tra i due la povera Keira Knightley è costretta a fare l’isterica molto sopra le righe per poter essere notata, mentre la partecipazione di Vincent Cassel è breve ma efficace.

In sala da gennaio 2012

1998, Londra. Wally Winthrop (Abbie Cornish) è una giovane donna con una relazione traballante che nutre una passione sfrenata verso la vicenda della sua quasi omonima Wallis Simpson (Andrea Riseborough), la ragazza per cui Re Edoardo VIII (James D’Arcy) abdicò nel 1936 lasciando il trono al fratello balbuziente Giorgio VI. Un’asta da Sotheby’s per la quale vengono esposti centinaia di cimeli risalenti all’epoca della storia d’amore che più la coinvolge è per Wally l’occasione per tuffarsi in un sogno ad occhi aperti, immedesimandosi in una donna tanto famosa quanto piena di lati non conosciuti. Con la complicità di uno degli addetti alla sicurezza di Sotheby’s (Oscar Isaac), Wally inizia un percorso di studio e ricerca, tra passato e presente, atto a voler dimostrare che Edoardo VIII non fu l’unico della coppia a dover compiere sacrifici e rinunce in nome di un’amore destinato a diventare man mano sempre più freddo.

Il modo più semplice per riassumere la trama di questo nuovo film di Madonna, anche al Lido, era sempre iniziare con la frase “Hai presente Il discorso del re?”… In effetti questo si sarebbe potuto considerare una sorta di suo spin-off (lo stesso monarca balbuziente è presente nella pellicola ed è interpretato da Laurence Fox), ma il film di Madame Ciccone è molto altro. E’ un continuo andirivieni temporale in cui due storie con aspetti comuni si intrecciano e si completano come due facce della stessa medaglia. Lo stile cinematografico scelto da Madonna è quello tipico dei registi inesperti/alle prime armi (anche se questa è la sua opera seconda dopo Sacro e profano): eccessivo, kitsch, pieno di inutili carrelli, dolly, troppo pieno di sé ed indulgente su particolari estetici che alla lunga stancano. Il montaggio è frenetico, le due vicende si alternano spesso lasciando troppi dubbi e dando un buon pretesto alla confusione per fare capolino.

L’occhio di Madonna è superficiale e non scava mai nelle anime dei suoi protagonisti, ma quello che in W.E. non manca è la passione, l’amore come come ardore e come sofferenza. In questo il risultato è centrato: al di là di una sceneggiatura frammentaria che lascia fredda la mente, è il cuore ad essere riempito di colori e di suoni (le musiche, spesso moderne anche se accompagnano scene ambientate diverse decadi fa, hanno fatto storcere il naso a molti e possiamo capirne il motivo, ma sono scelte con cura), di sogno e di magia. Il film spesso diverte, l’avvicinamento romantico tra Wally e la guardia di sicurezza gode di un climax ben costruito ed appassionante: ecco, se W.E. viene visto come un melodramma per signore più che come un film che vuole rileggere una pagina di Storia, il risultato può essere discretamente accettato. E il bicchiere in questo caso cerchiamo di vederlo mezzo pieno.

Qui sotto foto scattate da me alla premiere veneziana. Un trailer non è ancora disponibile.

In sala da venerdì 16 settembre

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Brooklyn: in un appartamento di una palazzina benestante ha luogo il confronto tra i rispettivi genitori di una coppia di bambini che hanno avuto un diverbio. Si discute di cosa sia meglio per i loro figli, dei metodi da adottare per far capire loro che con la violenza non si risolve nulla e sulle modalità da attuare affinché possano chiedersi scusa reciprocamente. I Longstreet (Jodie Foster e John C. Reilly) fanno da padroni di casa: lei colta appassionata d’arte con velleità da scrittrice, lui più semplice venditore di pezzi di ricambio per bagni. I Cowan invece (Kate Winslet e Christoph Waltz) sono gli ospiti, lui legale nel bel mezzo di una crisi e per questo costantemente incollato al suo blackberry, lei broker finanziario. I toni pacati e cordiali di inizio giornata si trasformano piano piano in uno sfogo di rabbia repressa e segreti coniugali sputati l’uno in faccia all’altro, senza ritegno.

Quattro protagonisti, “costretti” tra quattro mura, con poche interferenze dall’esterno e solo sottoforma di lontane voci telefoniche. Non è soltanto un classico impianto teatrale (e difatti la sceneggiatura è tratta dalla piéce di Yasmina Reza, anche co-sceneggiatrice) ma è anche l’ambientazione ideale per Roman Polanski, capace così di guardare nuovamente ad uno dei riferimenti che nella sua filmografia fanno capolino più spesso (sir Hitchcock) mettendo in scena con classe un testo prezioso che sarebbe stato quasi impossibile da fallare. Ingaggiati quattro tra gli attori più talentuosi a memoria d’uomo (perché non è affatto da sottovalutare l’eterno comprimario John C. Reilly finalmente sotto i riflettori), Polanski fa vomitare loro (anche letteralmente, nell’esatto momento in cui la direzione del vento all’interno dell’appartamento cambia irrimediabilmente) l’orrore che si cela nelle case di ogni “famiglia perbene”. Lo specchio fatto di tavolini da caffé tirati a lucido, tulipani freschi, torte di frutta con ingredienti segreti, si frantuma poco a poco, lasciando trasparire malumori, incomprensioni, frustrazione. Il lavoro, i figli, le carriere solo sognate ma mai trasformate in realtà: tra i quattro protagonisti si formano e si dissolvono alleanze e ribellioni, ci si sputa addosso veleno salvo poi capirsi per un istante, prima di intraprendere un nuovo round. Fino all’alcol, che tramuta tutto in esagerazione, distruzione, urla, pianto.

Polanski ha ritrovato sé stesso in questo testo, e ha fatto sgolare ai suoi protagonisti ciò che anche lui prova nei confronti del perbenismo contro cui ancora oggi deve combattere, e contro quell’America puritana ed apparentemente candida sotto la quale si cela il marcio del mondo. Il maestro rende tutto cinematograficamente perfetto, il pubblico può ridere sguaiatamente delle gesta di quattro persone di classe che si trasformano in quattro mostri moderni, ma sarebbe forse meglio che anziché sghignazzare con tono di superiorità ci si fermasse e si cercasse di riconoscersi nel quadro dipinto davanti ai nostri occhi. A turno, ognuno dei protagonisti ammette: “Questo è il peggior giorno della mia vita”. E non lo dice perché sia successa una qualche tragedia irrimediabile, ma solo perché la maschera che tutti indossano (e indossiamo) fieramente è caduta e si è sgretolata innanzi a loro. Di questo la gente ha paura. E Polanski lo sa.

Di brevissima durata (79 minuti), Carnage riesce a chiudere poco dopo aver iniziato a diventare troppo urlato e leggermente irritante, e giusto in tempo per non far bollare come “sopra le righe” le interpretazioni della Winslet (che con un ruolo simile aveva già giocato in Revolutionary Road) e della Foster (che mai abbiamo visto così fuori di testa). Il versante maschile invece riesce a rimanere nei limiti, e spicca per un lavoro ammirevole di sottrazione.

Il film è stato presentato in Concorso a Venezia #68: ecco due dei protagonisti da me immortalati al mitico Lancia Café veneziano, e sotto il trailer. Kate Winslet non l’ho fotografata perché mi ha fulminato con la sua bellezza assurda.

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Machete (Danny Trejo), un ex agente federale creduto morto al quale il pericoloso boss Torrez (Steven Seagal) uccise moglie e figlia, vive una vita appartata, lavorando alla giornata. Un giorno viene coinvolto in una macchinazione atta a usarlo come capro espiatorio nel tentativo di simulare l’assassinio di un senatore razzista (Robert DeNiro): ma chi ha assunto Machete pensando fosse un poveraccio qualunque non sa che dietro quel volto vissuto si cela uno dei più spietati killer d’America, e che la sua vendetta sarà spietata. Lo aiuteranno due donne forti e determinate: Luz (Michelle Rodriguez) e soprattutto l’agente anti-immigrazione Sartana (Jessica Alba).

Meglio tardi che mai. A otto mesi dalla presentazione in anteprima mondiale a Venezia, arriva finalmente nelle sale italiane uno sfizio che Robert Rodriguez voleva togliersi da anni (e che era stato anticipato, lo ricordiamo, da un finto trailer contenuto in Grindhouse) ma che col tempo, e soprattutto grazie alla partecipazione di un cast così importante, è arrivato ad essere uno dei più riusciti film della sua carriera. Grazie ad una faccia (in questo caso è davvero il volto che fa il protagonista), quella di Danny Trejo, impassibile e frastagliata, che bacia Jessica Alba con la stessa espressione con la quale affila la sua lama o ammazza decine di scagnozzi, Machete è leggenda fin dal prologo, protagonista di un incontro ai limiti dell’assurdo con uno Steven Seagal che al suo cospetto perde ai punti sotto ogni aspetto.

L’abilità di Rodriguez stavolta è stata quella di concedersi sì un omaggio coi fiocchi, ma senza per questo adagiarsi sul già visto: il film non è fatto di piccole scenette scollate, di sole partecipazioni amichevoli o di citazioni sparse. No, Machete ha una storia forte che lo rende di per sè un grande film, fa passare un messaggio importante, e ha un cast che si mette in gioco in tutto e per tutto. I continui rimandi alla politica che l’America adotta sull’immigrazione sono doverosi e centrano il bersaglio ben più di quanto visto in pellicole decisamente più quotate. E sotto il fronte dell’entertainment, Machete offre alcune delle scene d’azione e di violenza più ferocemente inaudite (e più dannatamente divertenti) degli ultimi anni. Tra trovate geniali (la disposizione dei monitor nella sagrestia della Chiesa, il modo illogico in cui Machete trova una password) e dialoghi da applausi (quello sugli SMS è già storia, ma non sottovaluterei neppure “Sangue di Cristo? A me sembra Merlot!”), Machete offre anche l’occasione a Robert DeNiro di redimersi da tanti stanchi ruoli accettati negli ultimi anni senza sforzo: la sua caricatura (non troppo lontana da molte realtà) di un senatore ultrarazzista è da standing ovation.

In sala da venerdì 6 maggio.